Die Spuren der Moderne des Tanzes verlieren sich in dem Maße, in dem ihr Repertoire tiefer in Vergessenheit gerät. Anna Pawlowas bedeutender Einfluss auf die Entwicklung der Avantgarde, in der sich zu Beginn des 20. Jahrhunderts die modernen Komponisten, bildenden Künstler und neuen Choreographen für Bühnengesamtkunstwerke zusammentaten, wird an unerwartetem Ort erinnert, in Den Haag, der Stadt am Meer. Hier thront im Wind das „Hotel des Indes“ neben anderen Palais. Im Inneren ist es warm und so ruhig, dass man sich zwischen den hohen Marmorsäulen und rotsamtenen Sesseln leicht um 150 Jahre zurückversetzt fühlen könnte, posierten auf seiner Prachttreppe im Foyer nicht Influencerinnen in Partykleidern. Wendet man sich auf den dicken Teppichen nach rechts, gelangt man in die Bibliothek des Hauses. Hier erzählen Schwarz-Weiß-Fotografien die Geschichte der vor 140 Jahren in ein Hotel umgewandelten Villa und ihrer berühmtesten Gäste: Politiker, gekrönte Häupter, Rockstars, Industriekapitäne. Ihren Namen aber hat die Bibliothek von der 1881 in St. Petersburg geborenen Ballerina Anna Matwejewna Pawlowa geliehen.
Sie war Mikhail Fokins „Sterbender Schwan“, sie war der erste große Star in Sergej Diaghilews „Ballets Russes“. Als sie 1917 auf einer Welttournee in Lima auftrat, verliebte sich ein Dreizehnjähriger in ihre Kunst, der London später in eine der drei Ballettmetropolen der Welt verwandeln sollte: Frederick Ashton. Im Winter 1931 reiste Anna Pawlowa wieder von Theater zu Theater, dieses Mal für ihre Abschiedsvorstellungen. In Den Haag zog sie sich die Lungenentzündung zu, an der sie wenige Tage vor ihrem 50. Geburtstag starb – zu Gast im „Hotel des Indes“.
Ein Ballett mit Alleinstellungsmerkmalen
Wer weiß, wen Pawlowa in ihren holländischen Vorstellungen inspirierte, Tänzer zu werden? Bis das Ballett und der zeitgenössische Tanz in den Niederlanden doppelte institutionelle Gestalt annahmen, sollte es bis nach dem Zweiten Weltkrieg dauern. Faszinierend ist, wie schnell es dann ging, bis Den Haag zu einem europäischen Brennpunkt des zeitgenössischen Balletts wurde. Das 1959 gegründete Nederlands Dans Theater schien jahrzehntelang die ideale Company zu sein, um das neoklassische Ballett in eine zeitgemäße, gesellschaftlich relevante und ästhetisch verheißungsvolle Richtung zu entwickeln. Hans van Manen und Jiří Kyliàn prägten es gleichzeitig und abwechselnd, je nachdem, ob van Manen seine Meisterwerke gerade beim NDT tanzen ließ oder beim Niederländischen Nationalballett.
Das Alleinstellungsmerkmal des NDT war seine absolute Vorwärtsgewandtheit und die Brillanz, mit der die Tänzer der Company jedes neue Werk in den neuen Sprachen präsentierten, ihre Eleganz, ihre Souveränität, ihre Gegenwärtigkeit. Kyliàns surreale, melancholische, Prag-geborene Düsternis und van Manens streng formalisierte, aufregende, musikalische Dramen musste man in den Achtziger- und Neunzigerjahren gesehen haben.
The NDT has long since lost its unique selling point. The days when it was said that some companies could dance the 19th century repertoire, others could dance Forsythe, and some tried both equally inadequately, are over. The choice that choreographers have between ensembles today is huge. Everyone wants to attract attention through premieres and less through a historically informed repertoire that reflects theses about dance. New is the new new: Everyone wants a piece by Sharon Eyal, by Hofesh Shechter, Sidi Larbi Cherkaoui. Under Emily Molnar, who has directed the NDT since 2020 and does not choreograph herself, the look does not go further back than the early 2000s.
The premiere she has now released combines Jiří Kyliàn’s “Vanishing Twins” from 2008, Hofesh Shechter’s “Clowns” from 2016 and the premiere “Ties Unseen” by the youngest of the three choreographers, Christos Papadopoulos. He studied at the Amsterdam School For New Dance Development like Sasha Waltz, a kind of postmodern school, he’s just becoming really well known, and his piece is also the most interesting. There are sixteen dancers on whom Papadopoulos puts the “invisible shackles” of the title, a genuinely choreographic idea that he develops spatially really well.
The jerky tilting of heads, necks and shoulders
The step piece in synchronous rhythm leaves no spot on the stage unused, the swarm goes everywhere, driven around electronically by Jeph Vanger’s commissioned composition. The music is not too minimalistic, neither sentimental nor particularly machine-made, neither happy nor melancholic, but easy to listen to and easy to imagine in a club. The further the half-hour, repetitive choreography progresses, the more you notice how much individuality the unison produces. You have all the time in the world to watch the dancers one by one. On opening night, the most striking person is Emmitt Cawley, present and deeply immersed in the action.
But everyone dances as a group so intensely and precisely, as if they were being guided by an invisible magnet under the stage floor. They initially stand as if they were billiard balls in the triangle before the game begins. They always stay together, they hardly ever look at each other. They don’t have to, because attraction doesn’t work through looks, but comes from the gut. The twitching, the jerky tilting of heads, necks and shoulders with which the piece begins remains the only idiosyncrasy of the dance. Papadopoulos obviously doesn’t like breaks and thinks in a strictly reduced manner right up to the end. This is strong, but ultimately very similar to Sharon Eyal’s aesthetic and falls short of her incredible originality and complexity. You enjoy watching “Ties Unseen”, but ultimately you have to admit that you will be slightly disappointed at the end.
Hofesh Shechter’s vicious, murderous “clowns” repeatedly suggest close-range shootings and the slitting of throats. Perhaps one should see the brutality as a connection to Kyliàn’s piece, in which the women repeatedly become violent towards the men in duets. It is perhaps underestimated how difficult it is to select the important repertoire works from even the most recent, seemingly so close dance past, and what it takes for the new choreographers to do everything in their power to shed light on the great history of modern dance, whose shine will not fade so quickly goes out.
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